¿Qué es la Pintura?

En esencia, la pintura es una composición visual sobre una superficie de tela de paño o lienzo.  En realidad, el término puede ser aplicado más ampliamente. Por lo que al preguntar a un crítico el concepto de la pintura, inevitablemente persistirá en la cuestión de la forma. Así, los aspectos definitorios que unen todas obras de arte en la categoría de pintura incluyen el uso de ciertos materiales. Esto significa que una pintura es generalmente definida por la consistencia de algún tipo de material aplicado a algún tipo de superficie, generalmente un lienzo plano, bidimensional. Sin embargo, en un sentido más amplio,  el graffiti es un tipo de pintura porque está hecho con pintura en aerosol aplicada a una superficie plana, como un muro o losa de pavimento. Hay una gran variedad de tipos de pinturas de uso frecuente, como témpera, acrílico, acuarela y fresco. Las posibilidades del medio para aplicar pintura pueden ser además de tela, lienzo, papel, madera, cuero entre otros.

Definición de la Pintura

En el arte, el término pintura describe tanto el acto de plasmar una imagen, de una persona, un animal, un objeto, una situación o hecho (utilizando un cepillo o con otro instrumento, tales como pincel, espátula, esponja, aerógrafo para aplicar la pintura), y el resultado de la acción se define como una obra de arte. 

También se define como pintura una imagen (arte) creada con pigmentos (color) en una superficie (sustrato) como papel o lienzo. El pigmento puede ser en una forma húmeda, tales como pintura, o en forma seca, como pasteles. Así, la pintura igualmente, puede ser un verbo, la acción de crear una obra de arte.

Los elementos de la pintura son los componentes básicos o bloques de construcción de un cuadro. En el arte occidental se consideran que generalmente pueden ser: el tono del Color (o valor), de línea (una marca estrecha de un cepillo o una línea de encuentro entre dos cosas), de forma (2D, puede ser positivo o negativo) y (3D), de espacio (o volumen), textura (o patrón) a veces estos elementos son también  añadido a la lista de la composición. También se valoran en la pintura, elementos tales como la dirección (vertical, horizontal, inclinada), el tiempo, el tamaño y movimiento (cómo el espectador percibe y ve  la pintura).  De igual manera, se debe tener especial consideración y conocimiento acerca de la composición de la obra. Por lo que a continuación se describe este concepto. 

Características de la Pintura

La pintura, es la expresión de ideas y emociones, con la creación de ciertas cualidades estéticas, en un lenguaje visual bidimensional. Los elementos de este lenguaje, sus formas, líneas, colores, tonos y texturas, se utilizan de diversas maneras para producir sensaciones de volumen, espacio, movimiento y luz en una superficie plana. 

Estos elementos se combinan en patrones expresivos para representar fenómenos reales o sobrenaturales, para interpretar un tema narrativo o para crear relaciones visuales totalmente abstractas. La decisión de un artista de utilizar un medio determinado, como el témpera, el fresco, el óleo, el acrílico, la acuarela u otras pinturas al agua, la tinta, la gauche, la encáustica o la caseína. 

La elección de una forma particular, como un mural, un caballete, un panel, una miniatura, la iluminación de un manuscrito, un pergamino, una pantalla o un abanico, un panorama o cualquiera de las diversas formas modernas, se basa en las cualidades sensuales, las posibilidades y limitaciones expresivas de esas opciones. Las opciones del medio y la forma, así como la propia técnica del artista, se combinan para realizar una imagen visual única.

Las tradiciones culturales anteriores de tribus, religiones, gremios, cortes reales y estados, controlaban en gran medida la artesanía, la forma, las imágenes y el tema de la pintura y determinaban su función, ya fuera ritualista, devocional, decorativa, entretenida o educativa. 

Los pintores se empleaban más como artesanos hábiles que como artistas creativos. Posteriormente, la noción del buen artista se desarrolló en Asia y en la Europa del Renacimiento. A los pintores destacados se les concedió la condición social de eruditos y cortesanos, quienes  firmaban sus obras, decidían su diseño y a menudo su tema e imágenes, y establecían una relación más personal, aunque no siempre amistosa, con sus patrones.

La composición

Es el término utilizado para describir la disposición de los elementos visuales de una pintura. Es cómo los elementos del arte y el diseño, tales como  la línea, forma, color, valor, textura, y espacio, son organizados según los principios del arte y diseño, para lograr un balance, contraste, énfasis, movimiento, patrón, ritmo, unidad/variedad en la obra. Así como también, estos elementos de la composición, dan la estructura de la pintura y permiten transmitir la intención del artista.

Por lo tanto, la composición es diferente a la materia objeto de una pintura. Cada pintura, ya sea abstracta o figurativa, independientemente de la materia, tiene una composición. En tanto que, una buena composición es esencial para el éxito de una pintura. De allí que, realizada con éxito, una buena composición atrae al espectador y luego mueve el ojo del espectador a través de la pintura para que todo se termine en enfocarse finalmente en el tema principal de la pintura. Así, en sus notas, el pintor Henri Matisse definió la composición como el arte de organizar de manera decorativa los diversos elementos en el comando del pintor para expresar sus sentimientos.

Elementos de la Composición 

Los elementos de composición en el arte se utilizan para organizar los componentes visuales de una manera que sea agradable tanto para el artista, y es de esperar, para el espectador. Ayudan a dar estructura al diseño de la pintura y al tema presentado. También pueden estimular o conducir el ojo del espectador a pasear por toda la pintura, para volver a descansar en el punto focal.

En el arte occidental estos son los elementos de composición generalmente considerados: 

La Unidad: todas las partes deberían dar la sensación de composición, es decir que pertenecen a la obra. Por lo que, la unidad permite diferenciar cuando algo se algo se siente torpe, o está fuera de lugar.

El Balance: Es el sentido de la pintura, ya que, tener un arreglo simétrico agrega una sensación de calma, mientras que un arreglo asimétrico crea una sensación más dinámica. Una pintura que no es equilibrada crea una sensación de malestar.  

El Movimiento: Hay muchas maneras de dar un sentido de movimiento en una pintura, como el arreglo de los objetos, la posición de las figuras, el caudal de un río. Se pueden utilizar líneas principales (fotografía aplicable a la pintura) para dirigir el ojo del espectador alrededor de la pintura. Las líneas principales pueden ser líneas reales, tales como las líneas del ferrocarril, también pueden ser líneas implícitas, como una hilera de árboles o curva de piedras o círculos.

El Ritmo: En gran parte hace lo mismo que en la música,  de  manera que, una obra de arte puede tener un ritmo o compás subyacente que conduce el ojo para ver la obra de arte a un cierto ritmo. Buscando las grandes formas subyacentes (cuadrados, triángulos) y el color repetido. 

El Enfoque (o énfasis): El ojo del espectador, en definitiva, quiere descansar en el punto focal que es el punto más importante de la pintura, de lo contrario el ojo se siente perdido, vagando en el espacio.

El Contraste: Pinturas con fuertes diferencias entre la luz y la oscuridad, de alto contraste, por ejemplo, tienen una sensación diferente de pinturas con un mínimo contraste en luz y oscuridad. Además del contraste claro y oscuro, puede haber diferencias en forma, color, tamaño, textura, tipos de línea, entre otros aspectos.   

El Patrón: Es una repetición regular de líneas, formas, colores o valores en una composición. 

La Proporción: Tiene que ver con la forma en que las cosas encajan y se relacionan entre sí en términos de tamaño y escala; si es grande o pequeña, cercana o distante.

Historia de la pintura

El termino historia de la pintura fue introducido en el siglo XVII para describir las pinturas con temas extraídos de la historia clásica,  la mitología, y la Biblia, en el siglo XVIII. También se utilizó para referirse a temas históricos más recientes. 

El término, igualmente, fue introducido por la Real Academia Francesa en el siglo XVII, puesto que, se consideraba el tipo más importante (género) de pintura sobre retrato, la representación de escenas de la vida cotidiana, como la pintura de género, pintura de paisajes y bodegones.

Técnicas de la pintura

El hecho de que una pintura se complete  mediante etapas cuidadosas o se ejecute directamente mediante un método de “hit-or-miss alla prima” (en el que los pigmentos se aplican en una sola aplicación), estuvo en su día determinada en gran medida, por los ideales y las técnicas establecidas de la tradición cultural. 

Por ejemplo, el meticuloso procedimiento del iluminador europeo medieval, por el que un complejo patrón lineal se enriqueció gradualmente con pan de oro y pigmentos preciosos, fue contemporáneo de la práctica de artístas chinos de la pintura inmediata con pincel caligráfico, tras el período contemplativo de preparación espiritual.

Importancia de la pintura

La contribución de la pintura en la era moderna y postmoderna es que desde el renacimiento, permitió a las civilizaciones estar libres de un entendimiento del universo donde el ser humano solo se definía en términos de un orden cósmico más grande que a su vez, fue la asunción, manifiesta en la palabra de Dios. La nueva visión moderna, en cambio, permite también al ser humano hacer una autodefinición. Sin embargo, desde este punto de vista de la iluminación que todavía se comparte del ser humano como sujeto, se vislumbra  al mundo como un conjunto de objetos neutros, que se pueden observar, medir o manipular. Igualmente, como artistas, se ha podido alcanzar el logro de sujetos autodefinidos, un logro histórico de hecho. Pero también ha permitido al ser humano convertirse en sujeto creativo que se siente separado de los objetos que pinta, y esa es la parte del logro que es aún preocupante, significa que la tarea del artista radica gran parte en ir observando y comentando el mundo, grabando sus observaciones o comentarios sobre lienzo (o no).  El milagro o verdad importante de la que se habla empuja a esta autocomprensión de si mismo como sujeto, es decir a la  autodefinición, un paso más allá, muy importante. En este entendimiento, la vida es vista como expresión donde el ser humano se da cuenta en su trabajo, de algo que sentir o deseo, en virtud de la propia actividad. Para decirlo más bruscamente, en las expresiones, el ser humano se percata de ser quien es porque es sólo a través del esfuerzo de expresarse que se aclara y hace distintivo lo que es y en lo que se está convirtiendo.  

Desde este punto de vista, cuando se hace una marca en un lienzo, se convierte en posible no sólo para crear una cosa, pero para convertirse en un ser humano. Es posible, entonces, no simplemente hacer una imagen de algo, sino crearse y recrearse así mismo a través del arte. Así, si se tuviera que mirar una pintura de Paul Cézanne, por ejemplo, se podrían ver las manzanas, pero eso es lo superficial. Nadie se preocupa por las manzanas o la puesta del sol o la cosa que se llama pintura excepto en la medida en que puede mover, de una manera que es algo inexplicable. Es decir que el valor de la pintura,  y aquí no se habla sobre el valor de mercado o valor de la inversión, es que a través de ella Cezanne específicamente, sigue hablando y reafirmando a sus espectadores.

Por lo tanto, plasmar una idea, un pensamiento, un sentimiento en un lienzo es abrir la puerta de la posibilidad de conmoverse profundamente y conmover a otros. Este acercamiento a la pintura, viene directamente de lo que puede ser descrito como la edad de oro de la pintura (el expresionismo).  Fue el enfoque central al rechazo de la demanda académica que artistas hábilmente grabaron del mundo. Así, ciertos artistas americanos encontraron su camino a París en el siglo XIX y volvieron a casa para traspasar este conjunto de creencias, así como también un conjunto de prácticas y técnicas, expresadas luego, de este punto de vista.

Legado de la Pintura en el Arte

Uno de los más importantes legados de la pintura en general, son los criterios y distintos géneros con los que se ha podido identificar y clasificar este arte. Así, la pintura china es distinta de la occidental de la pintura al óleo. No se pueden juzgar las dos con el mismo criterio. Antes de experimentar la renovación de la pintura china, hace falta estudiar su esencia histórica para revelar la belleza sin que se pierda el espíritu original.  De hecho, la pintura tradicional de los literatos no representa solamente una escuela estética, sino también la presencia de la mentalidad filosófica del pueblo chino, en este caso. El pintor Li I-hung, uno de los mejores de la pintura china contemporánea cita las palabras de un sinólogo belga al explicar este fenómeno, afirmando que para comprender la filosofía china, hay que conocer ante todo la pintura china paisajista. Por otra parte, para alguien que esté al margen de la filosofía china, ante un cuadro a tinta china, no es capaz de captar el sentido subyacente más allá del trasfondo de las nubes flotantes. Le parecerán iguales todas las pinturas.  No obstante, el tema del paisaje, después de las Cinco Dinastías (alrededor del siglo X, dC.) llegó a ser la corriente predominante de la pintura china. 

La transformación estética cuyo origen tenía que ver con la mentalidad filosófica de aquella época, brotó debido a las constantes guerras y tumultos sociales de año en año, a los más esclarecidos talentos de la sociedad intelectual, resignados e inermes ante esta situación caótica, les inspiraba el pensamiento místico de los sabios Lao-tze y Chuang-tze de unirse con la naturaleza como forma del retiro. Por lo tanto, por ejemplo la pintura china ha influenciado a otras pinturas de la región tal es el caso de la pintura taiwanesa con un fuerte matiz contemporáneo y de colores locales. A diferencia de la suave tonalidad y el sentido metafórico de la pintura china tradicional de los literatos, la de Taiwan actual es más sorprendente, movediza y cambiante.  Las tendencias son esbozadas a modo de dibujo de Chiang Ming-shyan, mezclando los materiales, tales como el óleo, el acrílico, la acuarela o el jiaocai japonés por encima de la capa de la tinta china. No es de extrañar que cuando la gente vea estas obras pictóricas, se sorprenda preguntandose si son realmente pinturas a tinta china.  Igualmente, la pintura tradicional del paisaje de los literatos es producto de la sociedad agrícola, que agregó el señor Lo. En los tiempos antiguos, los artistas vivían en el campo, empapándose en el ambiente natural alrededor de los montes y las aguas; mientras que hoy día, se vive en una sociedad super industrializada o la llamada postmoderna, rodeados del medio de la ciencia y alta tecnología, sería anacrónico seguir pintando aquellos paisajes. Frente a este cruce de cambio social, la tradición milenaria de la pintura china asimismo ha llego a su momento de transformación. Por lo tanto, cada vez más en la pintura se van entremezclando tendencias y culturas de diferentes países y culturas. Por lo que, los pintores  son cada vez más atrevidos para utilizar los colores, con abundante bocetos occidentales o la técnica de acuarela y materiales mixtos, tales como periódicos hechos pedazos, el collage, la pintura con el atomizador o la brocha, hasta abandonando unas técnicas y tomando otras que les permitan transformar este arte, lo que ha dejado un cierto sabor amargo a los críticos de arte. Así, las características particulares por ejemplo, de la pintura china son el vigor y la delicadeza de las pinceladas. Sin embargo, si se quiere expresar el color y la textura, es mejor el óleo, y para destacar la técnica de tipo boceto, es mejor la acuarela.  De hecho, con el avance del arte moderno del Occidente y las escuelas artísticas como Picasso y los cubistas, Matisse y los fauvistas o Miró y el abstraccionismo, se ha ensanchado el caudal de la pintura china con tinta. Los pintores han empezado a reconstruir los paisajes concretos e integrar más elementos abstractos. Por lo que, las obras se están realizando haciendo nuevos experimentos revelan una nueva vitalidad y riqueza del arte de la pintura.

Tipos de pintura

Pintura egipcia

Conocida como una de las civilizaciones más antiguas y ricas que han existido, la civilización egipcia ha resistido hasta ahora la prueba del tiempo. Con sus pirámides que están cerca del  cielo y la monumental esfinge que vigila las tumbas de los faraones, tiende  a olvidar otra parte sutil pero muy  importante de la antigua cultura egipcia que existe junto a las pirámides y la esfinge, como son  las antiguas pinturas egipcias. 

Pintura Prehistórica

Las pinturas prehistóricas se han descubierto como pinturas rupestres  en muchas partes del mundo, desde Europa y África hasta Australia. África tiene algunas de las primeras pinturas y grabados rupestres que han sido datados con seguridad, de miles de años de antigüedad, algunas fueron descubiertas en 1969 en la pared de la roca de una cueva cerca de Twyfelfontein en Namibia. 

Pero las más numerosas y sofisticadas de las pinturas prehistóricas están en las paredes de cuevas del suroeste de Francia y el norte de España. 

Pintura Romana

La historia de la pintura romana es esencialmente una historia de las pinturas murales en yeso. Aunque las antiguas referencias literarias informan de pinturas romanas sobre madera, marfil y otros materiales, las obras que han sobrevivido se encuentran en el duradero medio del fresco que se utilizaba para adornar los interiores de las casas privadas en las ciudades romanas y en el campo. 

Pintura Acción

Esta pintura está enmarcada dentro del expresionismo abstracto de los Estados Unidos, que se inició en la década de los 40, en el siglo XX, desde este país se extendió a Europa, se caracteriza por ser completamente abstracta y de tipo gestual, por lo que, en la obra terminada se evidencia  la velocidad, la furia y la intencionalidad del creador en cada una de las salpicaduras.

Pintura India

El objetivo principal del artista pintor indio es crear belleza y mientras trabaja en una pintura en particular lo tiene en cuenta. Es por eso que las artes indias tienen una posición distintiva en la arena global. Comparando con otras formas de arte como la danza y la música, las pinturas indias son capaces de retratar los sentimientos y emociones del artista, también tienen la capacidad de retratar las emociones humanas y mantenerlas por un período más largo.

Pintura Europea

La pintura europea, está considerada entre las artes  más destacadas, en las que  se encuentran importantes pinturas de maestros antiguos, incluyendo un raro grupo de pinturas españolas, italianas y del norte de Europa del siglo XV, pinturas de los siglos XVII y XVIII de la mayoría de las naciones europeas, y la pintura más renombrada de El Greco en los Estados Unidos, la Asunción de la Virgen. 

Esta colección de pinturas es reconocida mundialmente por sus extensas y destacadas existencias de obras impresionistas y postimpresionistas.

Pintura Griega

La pintura griega ha sobrevivido principalmente como decoración de cerámica. Los pocos murales griegos que han sobrevivido son notables, ya que muestran avances significativos en las técnicas de realismo, como el sombreado y la perspectiva. 

El origen de la cultura griega incluyendo la pintura, fue Atenas, este hecho es evidente aun en la Edad Oscura griega, durante la cual Atenas, como todos los demás asentamientos griegos, aún no se había convertido en una ciudad.

Pintura occidental

Se debe considerar que la pintura occidental significa pintura no sólo en Europa sino también en regiones fuera de Europa que comparten una tradición cultural europea, tal es el caso del Oriente Medio y la cuenca del Mediterráneo y, más tarde, los países del Nuevo Mundo.

La pintura occidental se distingue en general por su concentración en la representación de la figura humana, ya sea en el contexto heroico de la antigüedad o en el contexto religioso del mundo cristiano y medieval temprano.

Pintura Oriental

El Oriente llama a imágenes de sabios, ricas especias, lujosos tapices e incienso. Las pinturas de Oriente evocan la rica cultura en maravillosos colores y detalles. Igualmente, el  arte oriental incluye en sus inusuales pinturas,  puentes, pájaros majestuosos, imágenes extravagantes, paisajes del Oriente Medio y peces de colores tranquilos.

Representantes de la pintura en las épocas

Se denominan así a las obras en arte, que marcaron un hito en la pintura. Por ejemplo en el Renacimiento se produjeron grandes obras  durante los siglos XIV, XV y XVI en Europa bajo las influencias combinadas de una mayor conciencia de la naturaleza, un renacimiento del aprendizaje clásico y una visión más individualista del hombre. 

En las pinturas del renacimiento se muestra el interés por la naturaleza, el aprendizaje humanístico y el individualismo que ya estaban presentes en el período medieval tardío y se hicieron dominantes en la Italia de los siglos XV y XVI.

Universidades de la pintura

En las universidades de la pintura, la estructura del curso depende del tipo de título de arte que se quiera estudiar. Por ejemplo, los títulos de historia del arte probablemente se basen mucho más en ensayos que los títulos de bellas artes, que probablemente sean de naturaleza práctica y tal vez se enseñen en estudios o talleres. 

También es más probable que los títulos de bellas artes concluyan con una evaluación a través de un proyecto o cartera de obras que puedan ser exhibidas al público, aunque algunos cursos tienen la tradicional disertación o proyecto de investigación supervisada que se encuentra más comúnmente en los títulos de historia del arte.

La duración del título de arte también varía según el país en el que se elija estudiar. Por ejemplo, la mayoría de los cursos de licenciatura en el Reino Unido duran tres años, mientras que en los EE.UU. cuatro años es la norma.

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