MÚSICA
EN
EL
RENACIMIENTO
https://www.hisour.com/es/renaissance-music-33297/
La
música renacentista es música vocal e instrumental escrita y representada en
Europa durante la época del Renacimiento. El consenso entre los historiadores
de la música ha sido comenzar la era alrededor de 1400, con el final de la
época medieval, y cerrarla alrededor de 1600, con el comienzo del período
barroco, por lo tanto, comenzando el Renacimiento musical alrededor de cien
años después del comienzo de la Renacimiento como se entiende en otras
disciplinas. Como en las otras artes, la música de la época fue
significativamente influenciada por los desarrollos que definen el período
moderno temprano: el surgimiento del pensamiento humanista; la recuperación del
patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma; mayor
innovación y descubrimiento; el crecimiento de las empresas comerciales; el
surgimiento de una clase burguesa; y la Reforma Protestante. De esta sociedad
cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el
estilo polifónico (esto significa música con múltiples melodías independientes
ejecutadas simultáneamente) de la escuela franco-flamenca, cuyo mayor maestro
fue Josquin des Prez.
La
invención de la imprenta en 1439 hizo que fuera más barato y fácil distribuir
música y textos de teoría musical a una escala geográfica más amplia y para más
personas. Antes de la invención de la impresión, las canciones y la música que
se escribieron y los textos de teoría musical tuvieron que copiarse a mano, un
proceso costoso y lento. La demanda de música como entretenimiento y como una
actividad de ocio para aficionados educados aumentó con la aparición de una
clase burguesa. La difusión de chansons, motetes y masas en toda Europa
coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que
culminó en la segunda mitad del siglo XVI en la obra de compositores como
Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis y William
Byrd. La relativa estabilidad política y la prosperidad en los Países Bajos,
junto con un floreciente sistema de educación musical en las muchas iglesias y
catedrales del área, permitieron el entrenamiento de un gran número de
cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos fueron muy buscados en
toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes
aristocráticas los contrataron como compositores, artistas y maestros. Dado que
la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a finales del siglo XVI,
Italia había absorbido las influencias musicales del norte con Venecia, Roma y
otras ciudades convirtiéndose en centros de actividad musical. Esto revirtió la
situación de cien años antes. La ópera, un género teatral escenificado en el
que los cantantes se acompañan de instrumentos, surgió en este momento en
Florencia. Opera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar la
música de la antigua Grecia (OED 2005).
La
música se liberaba cada vez más de las restricciones medievales, y se permitía
una mayor variedad en el rango, el ritmo, la armonía, la forma y la notación.
Por otro lado, las reglas de contrapunto se volvieron más limitadas,
particularmente con respecto al tratamiento de las disonancias. En el
Renacimiento, la música se convirtió en un vehículo para la expresión personal.
Los compositores encontraron formas de hacer que la música vocal sea más
expresiva de los textos que estaban creando. La música secular (música no
religiosa) absorbió técnicas de la música sacra y viceversa. Las formas
seculares populares como la chanson y el madrigal se extendieron por toda
Europa. Los tribunales emplearon intérpretes virtuosos, tanto cantantes como
instrumentistas. La música también se hizo más autosuficiente con su
disponibilidad en forma impresa, que existe por sí misma. Versiones precursoras
de muchos instrumentos modernos familiares (incluidos el violín, la guitarra,
el laúd y los instrumentos de teclado) se desarrollaron en nuevas formas
durante el Renacimiento. Estos instrumentos fueron modificados para responder a
la evolución de las ideas musicales, y presentaron nuevas posibilidades para
que los compositores y músicos exploren. También aparecieron formas tempranas
de instrumentos modernos de viento y metal como el fagot y el trombón;
ampliando el rango de color sónico y aumentando el sonido de conjuntos
instrumentales. Durante el siglo XV, el sonido de tríadas completas (acordes de
tres notas) se hizo común, y hacia finales del siglo XVI el sistema de modos de
iglesia comenzó a desmoronarse por completo, dando paso a la tonalidad
funcional (el sistema en el que las canciones y las piezas se basan en “teclas”
musicales), que dominarían la música artística occidental durante los
siguientes tres siglos.
Desde la
época del Renacimiento, la música secular y sacra notada sobrevive en cantidad,
incluyendo obras vocales e instrumentales y obras vocales / instrumentales
mixtas. Una enorme diversidad de estilos musicales y géneros floreció durante
el Renacimiento. Estos pueden escucharse en grabaciones realizadas en los
siglos 20 y 21, incluyendo misas, motetes, madrigales, chansons, canciones
acompañadas, bailes instrumentales y muchos otros. A partir de finales del
siglo XX, se formaron numerosos conjuntos de música antigua. Los grupos de
música antigua especializados en música de la época del Renacimiento dan giras
de conciertos y hacen grabaciones, utilizando reproducciones modernas de
instrumentos históricos y utilizando estilos de canto y ejecución que los
musicólogos creen que se usaron durante la época.
Visión
de conjunto
Una de las características más pronunciadas de la música artística europea
primitiva del Renacimiento fue la creciente dependencia del intervalo del
tercero y su inversión, el sexto (en la Edad Media, los tercios y los sextos se
habían considerado disonancias, y solo los intervalos perfectos se trataron
como consonancias: el cuarto perfecto, el quinto perfecto, la octava y el
unísono). Polyphony – el uso de múltiples líneas melódicas independientes,
realizadas simultáneamente – se volvió cada vez más elaborado a lo largo del
siglo XIV, con voces altamente independientes (tanto en la música vocal como en
la música instrumental). El comienzo del siglo 15 mostró la simplificación, con
los compositores a menudo luchando por la suavidad en las partes melódicas.
Esto fue posible debido a un mayor rango vocal en la música: en la Edad Media,
el estrecho rango hacía necesario el cruce frecuente de las partes, lo que
requería un mayor contraste entre ellas para distinguir las diferentes partes.
El modal (a diferencia del tonal, también conocido como “clave musical”, un enfoque
desarrollado en la posterior era de la música barroca, hacia 1600-1750), las
características de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el
final del período con el uso creciente. de movimientos de raíz de quintas o
cuartas (ver el “círculo de quintas” para más detalles). Un ejemplo de una
progresión de acordes en la que las raíces de acordes se mueven por el
intervalo de un cuarto sería la progresión de acordes, en la tecla de Do mayor:
“D menor / Sol mayor / Do mayor” (todas son tríadas; acordes). El movimiento
desde el acorde de D menor al acorde de G mayor es un intervalo de un cuarto
perfecto. El movimiento desde el acorde de G Major al acorde de C Major también
es un intervalo de un cuarto perfecto. Esto luego se convirtió en una de las
características definitorias de la tonalidad durante la época del Barroco.
Las
principales características de la música renacentista son (Fuller 2010):
Música
basada en modos.
Textura más rica, con cuatro o más partes melódicas independientes que se realizan
simultáneamente. Estas líneas melódicas entrelazadas, un estilo llamado
polifonía, es una de las características definitorias de la música
renacentista.
Mezcla, en lugar de contraste, líneas melódicas en la textura musical.
La armonía que ponía una mayor preocupación en el flujo suave de la música y su
progresión de acordes.
El desarrollo de la polifonía produjo los cambios notables en los instrumentos
musicales que marcan musicalmente el Renacimiento de la Edad Media. Su uso
fomentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que
se combinarían en todo el rango vocal (Montagu nd).
Géneros
Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia) que
permanecieron en uso durante todo el Renacimiento fueron misas y motetes, con
algunos otros desarrollos hacia el final de la época, especialmente cuando los
compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas musicales seculares
(no religiosas) (como el madrigal) para uso religioso. Las masas de los siglos
XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se usaban, monofónicas (una línea de
melodía) y polifónicas (líneas melódicas múltiples e independientes), con dos
formas principales de elaboración, basadas en la práctica del cantus firmus o,
comenzando en algún momento 1500, el nuevo estilo de “imitación generalizada”,
en el cual los compositores escribirían música en la que las diferentes voces o
partes imitarían los motivos melódicos y / o rítmicos ejecutados por otras
voces o partes. Se utilizaron cuatro tipos principales de masas:
Masa de Cantus
firmus (masa de tenor)
El cantus firmus / masa de imitación
La masa parafraseada
La masa de imitación (masa de parodia)
Las masas normalmente eran tituladas por la fuente de la que se tomaron
prestados. La masa de Cantus firmus usa la misma melodía monofónica, usualmente
extraída del canto y usualmente en el tenor y más a menudo en valores de nota
más largos que las otras voces (Burkholder nd). Otros géneros sagrados fueron
la madrigale spirituale y la laude.
Durante
el período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución creciente,
con una amplia variedad de formas, pero hay que ser cauteloso al suponer una
explosión de variedad: dado que la impresión hizo la música más ampliamente
disponible, mucho más ha sobrevivido de esta era que de la época medieval
anterior, y probablemente una gran cantidad de música popular de finales de la
Edad Media se pierde. La música secular era música que era independiente de las
iglesias. Los principales tipos fueron el alemán Lied, la frottola italiana, la
canción francesa, el madrigal italiano y el villancico español (Fuller 2010).
Otros géneros vocales seculares incluyen la caccia, rondeau, virelai,
bergerette, balada, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta y la
canción del laúd. También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el
motete secular.
La
música puramente instrumental incluía música de consorte para grabadoras o
violines y otros instrumentos, y bailes para varios conjuntos. Los géneros
instrumentales comunes fueron toccata, preludio, ricercar y canzona. Las danzas
interpretadas por conjuntos instrumentales (o algunas veces cantadas) incluían
basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard,
allemande, courante, bransle, canarie, piva y lavolta. La música de muchos
géneros podría organizarse para un solo instrumento como el laúd, la vihuela,
el arpa o el teclado. Tales arreglos se llamaban intabulaciones (It.
Intavolatura, Ger. Intabulierung).
Hacia el
final del período, se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera,
como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.
Teoría y
notación
Según Margaret Bent: “La notación del Renacimiento es poco prescriptiva según
nuestros estándares [modernos], cuando se traduce a la forma moderna adquiere
un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original”
(Bent 2000, p.25). Las composiciones del Renacimiento se anotaron solo en
partes individuales; los puntajes fueron extremadamente raros y no se usaron
barras de compás. Los valores de las notas generalmente son más grandes que los
que se usan actualmente; la unidad primaria de latido fue la semibreve, o nota completa.
Como había sido el caso desde el Ars Nova (ver música medieval), podría haber
dos o tres de éstos para cada breve (una nota doblemente completa), que puede
ser considerada como equivalente a la “medida” moderna, aunque era en sí mismo
un valor de nota y una medida no lo es. La situación se puede considerar de
esta manera: es lo mismo que la regla según la cual, en la música moderna, un
cuarto de nota puede equivaler a dos corcheas o tres, que se escribirían como
un “trillizo”. Según el mismo criterio, podría haber dos o tres de la siguiente
nota más pequeña, la “mínima” (equivalente a la “media nota” moderna) para cada
semibreve.
Estas
diferentes permutaciones se llamaron “tempus perfecto / imperfecto” en el nivel
de la relación breve-semibreve, “prolación perfecta / imperfecta” a nivel de la
semibreve-minim, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres
a uno se llamaba “perfecto” y dos a uno era “imperfecto”. También existían
reglas según las cuales las notas individuales podían dividirse a la mitad o
duplicarse (“imperfectas” o “alteradas”, respectivamente) cuando estaban
precedidas o seguidas por otras notas determinadas. Las notas con notas negras
(como notas negras) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la
notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en
lugar de vitela), ya que el papel más débil fue menos capaz de resistir el
rascado requerido para rellenar cabezas de nota sólidas; la notación de tiempos
anteriores, escrita en pergamino, había sido negra. También se usaron
rutinariamente otros colores y, posteriormente, notas rellenas, principalmente
para hacer cumplir las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para
solicitar otros cambios rítmicos temporales.
Las
alteraciones (p. Ej., Objetos punzantes añadidos, planos y naturales que
cambian las notas) no siempre se especificaron, algo así como en ciertas
anotaciones de digitación para instrumentos de la familia de la guitarra
(tablaturas) de hoy. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían sido
altamente entrenados en el contrapunto diádico y poseían esta y otra
información necesaria para leer correctamente una partitura, incluso si las
alteraciones no estaban escritas. Como tal, “lo que la notación moderna
requiere [alteraciones] habría sido entonces perfectamente evidente sin
notación para un cantante versado en contrapunto “. (Ver musica ficta). Un
cantante interpretaría su parte imaginando fórmulas cadenciales con otras
partes en mente, y cuando cantaran juntas, los músicos evitarían octavas
paralelas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de
las decisiones de otros músicos ( Bent 2000, p.25). Es a través de las
tablaturas contemporáneas para varios instrumentos punteados que hemos obtenido
mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes
originales.
Para
información sobre teóricos específicos, ver Johannes Tinctoris, Franchinus
Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa
María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi,
Johannes Nucius y Pietro Cerone.
Primer
período (1400-1470)
Los compositores clave de la época temprana del Renacimiento también
escribieron en un estilo medieval tardío, y como tales, son figuras de
transición. Leonel Power (alrededor de 1370 o 1380 – 1445) fue un compositor
inglés de las épocas de la música renacentista tardía y medieval. Junto con
John Dunstaple, fue una de las principales figuras de la música inglesa a
principios del siglo XV (Stolba 1990, p.140, Emmerson y Clayton-Emmerson 2006,
544). Power es el compositor mejor representado en el Old Hall Manuscript, una
de las únicas fuentes intactas de música inglesa de principios del siglo XV.
Power fue uno de los primeros compositores en establecer movimientos separados
del Ordinario de la Misa que estaban temáticamente unificados y destinados a un
funcionamiento contiguo. El Manuscrito del Antiguo Salón contiene su misa
basada en la antífona Mariana, Alma Redemptoris Mater, en la cual la antífona
se expresa literalmente en la voz del tenor en cada movimiento, sin adornos
melódicos. Este es el único ajuste cíclico del Ordinario de masas que se le
puede atribuir (Bent nd). Escribió ciclos de masas, fragmentos y movimientos
individuales y una variedad de otras obras sagradas.
John
Dunstaple (o Dunstable) (ca. 1390-1453) fue un compositor inglés de música
polifónica de finales de la época medieval y principios del Renacimiento. Fue
uno de los compositores más famosos activos a principios del siglo XV, casi
contemporáneo de Power, y tuvo una amplia influencia, no solo en Inglaterra,
sino en el continente, especialmente en el estilo en desarrollo de la Escuela
de Borgoña. La influencia de Dunstaple en el vocabulario musical del continente
era enorme, particularmente teniendo en cuenta la relativa escasez de sus obras
(atribuibles). Fue reconocido por poseer algo nunca antes escuchado en la
música de la Escuela de Borgoña: la contenance angloise (“el semblante
inglés”), un término utilizado por el poeta Martin le Franc en su Le Champion
des Dames. Le Franc agregó que el estilo influyó en Dufay y Binchois.
Escribiendo unas décadas más tarde, hacia 1476, el compositor flamenco y
teórico de la música Tinctoris reafirmó la poderosa influencia de Dunstaple,
enfatizando el “nuevo arte” inspirado por Dunstaple. Tinctoris elogió a
Dunstaple como fons et origo del estilo, su “fuente y origen”.
La
contención anglosajona, aunque no fue definida por Martin le Franc, fue
probablemente una referencia al rasgo estilístico de Dunstaple de usar la
armonía triádica completa (acordes de tres notas), junto con un gusto por el
intervalo del tercero. Suponiendo que había estado en el continente con el
duque de Bedford, Dunstaple habría sido presentado al fauxbourdon francés;
tomando prestadas algunas de las sonoridades, creó elegantes armonías en su
propia música usando tercios y sextos (un ejemplo de un tercer intervalo son
las notas C y E, un ejemplo de un sexto intervalo son las notas C y A). Tomados
en conjunto, estos se consideran características definitorias de la música
renacentista temprana. Muchos de estos rasgos pueden haberse originado en
Inglaterra, echando raíces en la Escuela de Borgoña a mediados de siglo.
Debido a
que se han encontrado numerosas copias de las obras de Dunstaple en manuscritos
italianos y alemanes, su fama en toda Europa debe haber sido generalizada. De
las obras que se le atribuyen, solo sobreviven unas cincuenta, entre ellas dos
masas completas, tres secciones de masa conectadas, catorce secciones de masa
individuales, doce motetes isorítmicos completos y siete configuraciones de
antífonas marianas, como Alma redemptoris Mater y Salve Regina, Mater
misericordiae . Dunstaple fue uno de los primeros en componer masas usando una
sola melodía como cantus firmus. Un buen ejemplo de esta técnica es su Missa
Rex seculorum. Se cree que escribió música secular (no religiosa), pero no se
le puede atribuir ninguna canción en lengua vernácula con ningún grado de
certeza.
Oswald
von Wolkenstein (ca. 1376-1445) es uno de los compositores más importantes del
Renacimiento alemán temprano. Él es mejor conocido por sus melodías bien
escritas, y por su uso de tres temas: viajar, Dios y el sexo.
Gilles
Binchois (ca. 1400-1460) fue un compositor holandés, uno de los primeros
miembros de la escuela de Borgoña y uno de los tres compositores más famosos de
principios del siglo XV. Aunque a menudo se clasificó detrás de sus
contemporáneos Guillaume Dufay y John Dunstaple por los estudiosos
contemporáneos, sus obras fueron citadas, prestadas y utilizadas como material
fuente después de su muerte. Binchois es considerado [¿por quién?] Un melodista
fino, escribiendo líneas cuidadosamente formadas que son fáciles de cantar y
memorables. Sus canciones aparecieron en copias décadas después de su muerte y
fueron utilizadas a menudo como fuentes para la composición en masa por
compositores posteriores. La mayor parte de su música, incluso su música sacra,
es simple y clara, a veces incluso ascética (como la de un monje). Sería difícil
imaginar un mayor contraste entre Binchois y la complejidad extrema del ars
subtilior del siglo anterior (siglo XIV). La mayoría de sus canciones seculares
son rondeaux, que se convirtió en la forma de canción más común durante el
siglo. Raramente escribió en forma estrófica, y sus melodías son generalmente
independientes del esquema de la rima de los versos a los que están dedicadas.
Binchois escribió música para la corte, canciones seculares de amor y
caballerosidad que satisfacían las expectativas y satisfacían el gusto de los
duques de Borgoña que lo empleaban, y evidentemente amaba su música en
consecuencia. Cerca de la mitad de su música secular existente se encuentra en
la Biblioteca Oxford Bodleian.
Guillaume
Du Fay (ca. 1397-1474) fue un compositor franco-flamenco de principios del
Renacimiento. La figura central en la Escuela de Borgoña, fue considerado por
sus contemporáneos como el principal compositor en Europa a mediados del siglo
15 (Planchart nd). Du Fay compuso en la mayoría de las formas comunes del día,
incluyendo misas, motetes, Magnificats, himnos, configuraciones simples de
canto en fauxbourdon, y antífonas dentro del área de música sacra, y rondeaux,
baladas, virelais y algunos otros tipos de chanson dentro de el reino de la música
secular. Ninguna de sus músicas sobrevivientes es específicamente instrumental,
aunque los instrumentos fueron ciertamente utilizados para algo de su música
secular, especialmente para las partes más bajas; toda su música sagrada es
vocal. Los instrumentos pueden haber sido utilizados para reforzar las voces en
el desempeño real de casi todas sus obras. Siete Misas completas, 28
movimientos de Misa individuales, 15 configuraciones de canto utilizadas en
Mass Propers, tres Magnificats, dos configuraciones de Benedicamus Domino, 15
configuraciones de antiphon (seis de ellas antiponas marianas), 27 himnos, 22
motetes (13 de estos isorítmicos en el más estilo anguloso y austero del siglo
XIV que dio paso a una escritura en parte más melódica y sensual dominada por
los agudos con frases que terminan en la cadencia “inferior a la tercera” en la
juventud de Du Fay) y 87 chansons definitivamente por él han sobrevivido.
Período
medio (1470-1530)
A principios de la década de 1470, la música comenzó a imprimirse utilizando
una imprenta. La impresión musical tuvo un efecto importante en la difusión de
la música, ya que una pieza impresa de música no solo llegaba a una región
geográfica y audiencia más amplia que cualquier manuscrito manuscrito o copiado
a mano alguna vez, también lo hizo de manera más económica. También durante el
siglo XVI, una tradición de fabricantes famosos se desarrolló para muchos
instrumentos. Estos fabricantes fueron maestros de su oficio. Un ejemplo es la
familia Neuschel de Nuremberg, para sus trompetas.
Hacia
finales del siglo XV, la música sacra polifónica (ejemplificada en las masas de
Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht) había vuelto a ser más compleja, de una
manera que tal vez pueda considerarse correlativa a la mayor exploración de los
detalles en la pintura de el tiempo. Ockeghem, particularmente, era aficionado
al canon, tanto contrapuntístico como mensural. Compuso una misa, Misla
prolationum, en la que todas las partes se derivan canónicamente de una línea
musical. Fue en las primeras décadas del siglo siguiente que la música que se
sentía en un tactus (piense en la firma del tiempo moderno) de dos
semibreves-a-breve comenzó a ser tan común como la de tres semibreves a un
breve, como había prevalecido antes de ese momento.
A
principios del siglo XVI, existe otra tendencia hacia la simplificación, como
puede verse hasta cierto punto en la obra de Josquin des Prez y sus
contemporáneos en la Escuela franco-flamenca, y más tarde en la de GP
Palestrina. Palestrina estaba reaccionando parcialmente a las restricciones del
Concilio de Trento, que desalentaba la polifonía excesivamente compleja, ya que
se pensaba que inhibía la comprensión del texto por parte del oyente. Los
compositores franco-flamencos de principios del siglo XVI se alejaron de los
complejos sistemas canónicos y otros juegos mensurales de la generación de
Ockeghem, tendiendo a puntos de imitación y secciones de dúo o trío dentro de
una textura general que creció a cinco y seis voces.
Período
tardío (1530-1600)
En Venecia, desde aproximadamente 1530 hasta alrededor de 1600, se desarrolló
un impresionante estilo policoral, que le dio a Europa una de las músicas más
sonoras y grandiosas compuestas hasta ese momento, con múltiples coros de
cantantes, metales y cuerdas en diferentes lugares espaciales en la Basílica
San Marco di Venezia (ver Escuela veneciana). Estas múltiples revoluciones se
extendieron por Europa en las siguientes décadas, comenzando en Alemania y
luego moviéndose a España, Francia e Inglaterra un poco más tarde, demarcando
el comienzo de lo que ahora conocemos como la era musical del Barroco.
La
Escuela Romana era un grupo de compositores de música predominantemente
eclesiástica en Roma, abarcando las últimas eras del Renacimiento y principios
del Barroco. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el
Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaban en varias iglesias;
estilísticamente se los compara a menudo con la Escuela de compositores
veneciana, un movimiento concurrente que era mucho más progresivo. Con mucho,
el compositor más famoso de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da
Palestrina. Aunque mejor conocido como un prolífico compositor de masas y
motetes, también fue un madrigalista importante. Su habilidad para reunir las
necesidades funcionales de la Iglesia Católica con los estilos musicales
prevalecientes durante el período de la Contrarreforma le dio su fama duradera
(Lockwood, O’Regan y Owens, nd)
El breve
pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, principalmente
desde 1588 hasta 1627, junto con los compositores que los produjeron, se conoce
como la Escuela Madrigal Inglesa. Los madrigales ingleses eran a cappella,
predominantemente de estilo claro, y generalmente comenzaban como copias o
traducciones directas de modelos italianos. La mayoría fueron de tres a seis
voces.
Musica
reservata es un estilo o una práctica de ejecución en una música vocal de
capella de la segunda mitad del siglo XVI, principalmente en Italia y el sur de
Alemania, que involucra el refinamiento, la exclusividad y la intensa expresión
emocional del texto cantado.
Instrumentos
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran
variaciones o mejoras en los instrumentos que existían anteriormente. Algunos
han sobrevivido hasta el día de hoy; otros han desaparecido, solo para ser
recreados con el fin de interpretar música de la época en instrumentos
auténticos. Como en la actualidad, los instrumentos se pueden clasificar como
latón, cuerdas, percusión y viento de madera.
En
Europa, los instrumentos medievales solían utilizarse solos, a menudo
acompañados de un dron, u ocasionalmente en partes. Desde al menos desde el
siglo XIII hasta el siglo XV, hubo una división de instrumentos en haut
(instrumentos estridentes, chillones, al aire libre) y bas (instrumentos más
silenciosos, más íntimos) (Bowles 1954, 119 et passim). Solo dos grupos de
instrumentos podían jugar libremente en ambos tipos de conjuntos: el cornett y
el sackbut, y el tabor y la pandereta (Burkholder nd).
A
principios del siglo XVI, los instrumentos se consideraban menos importantes
que las voces. Se usaron para bailes y para acompañar la música vocal (Fuller
2010). La música instrumental permaneció subordinada a la música vocal, y gran
parte de su repertorio se derivaba de modos diferentes o dependía de modelos
vocales (OED 2005).
Órganos
Varios tipos de órganos se usaban comúnmente en el Renacimiento, desde grandes
órganos de iglesia hasta pequeños portativos y órganos de caña llamados regas.
Latón
Instrumentos de latón en el Renacimiento fueron tradicionalmente interpretados
por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se
tocaron:
Toque de trompeta: Similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de una
sección del cuerpo que se desliza, solo una pequeña parte del cuerpo cerca de
la boquilla y la boquilla en sí es estacionaria. Además, el cuerpo tenía forma
de S, por lo que era bastante difícil de manejar, pero era adecuado para la
música de baile lenta, que era la más comúnmente utilizada.
Cornett: Hecho de madera y jugado como la grabadora (soplando en un extremo y
moviendo los dedos hacia arriba y hacia abajo en el exterior) pero usando una
boquilla de taza como una trompeta.
Trompeta: Las trompetas tempranas no tenían válvulas, y se limitaban a los
tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron en diferentes
tamaños.
Sackbut (a veces sackbutt o sagbutt): un nombre diferente para el trombón
(Anon. Nd), que reemplazó a la trompeta de diapositivas a mediados del siglo XV
(Besseler 1950, passim).
Instrumentos
de cuerda
Como familia, las cuerdas se usaban en muchas circunstancias, tanto sagradas
como seculares. Algunos miembros de esta familia incluyen:
Viol:
este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene seis cuerdas.
Usualmente se jugaba con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la
vihuela desplumada española (llamada viola da mano en Italia); su principal
rasgo de separación es su mayor tamaño. Esto cambió la postura del músico para
apoyarlo contra el suelo o entre las piernas de una manera similar al
violonchelo. Sus similitudes con la vihuela eran cortes agudos en la cintura,
trastes similares, espalda plana, costillas delgadas y afinación idéntica.
Cuando se jugaba de esta manera, a veces se lo llamaba “viola da gamba”, para
distinguirlo de las violines ejecutadas “en el brazo”: viole da braccio, que
evolucionó hasta convertirse en la familia del violín.
Lyre: Su construcción es similar a un arpa pequeña, aunque en lugar de ser
punteada, se rasguea con un plectro. Sus cuerdas variaban en cantidad de
cuatro, siete y diez, dependiendo de la época. Se jugó con la mano derecha,
mientras que la mano izquierda silenció las notas que no se deseaban. Las liras
más nuevas se modificaron para jugar con un arco.
Irish Harp: También llamado Clàrsach en gaélico escocés, o Cláirseach en
irlandés, durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y
Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda, se ve incluso en la
etiqueta Guinness y es el símbolo nacional de Irlanda incluso hasta el día de
hoy. Para ser jugado, generalmente es punteado. [Se necesita aclaración] Su
tamaño puede variar mucho, desde un arpa que se puede tocar en el regazo hasta
un arpa de tamaño completo que se coloca en el suelo.
Hurdy-gurdy: (También conocido como el violín de la rueda), en el que las
cuerdas son tocadas por una rueda sobre la cual pasan las cuerdas. Su
funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, ya que su arco
(rueda) gira con una manivela. Su sonido distintivo se debe principalmente a
sus “cuerdas de drones” que proporcionan un tono constante similar en su sonido
al de la gaita.
Gittern y mandore: estos instrumentos se usaron en toda Europa. Precursores de
instrumentos modernos incluyendo la mandolina y la guitarra.
Percusión
Algunos instrumentos de percusión renacentistas incluyen el triángulo, el arpa
judía, la pandereta, las campanas, el cymbala, el potenciómetro y varios tipos
de tambores.
Pandereta:
La pandereta es un tambor de marco. La piel que rodea el marco se llama vitela
y produce el golpe al golpear la superficie con los nudillos, las yemas de los
dedos o la mano. También podría jugarse sacudiendo el instrumento, permitiendo
que los jingles o las campanillas de la pandereta (si es que tiene alguno)
suenen “clank” y “jingle”.
Arpa de judío: un instrumento que produce sonidos usando formas de la boca y
tratando de pronunciar diferentes vocales con la boca. El bucle en el extremo
doblado de la lengüeta del instrumento se puntea en diferentes escalas de
vibración creando diferentes tonos.
Instrumentos
de viento (aerófonos)
Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) producen sonido por medio de
una columna de aire vibrante dentro de la tubería. Los orificios a lo largo de
la tubería permiten al jugador controlar la longitud de la columna de aire y,
por lo tanto, el paso. Hay varias formas de hacer vibrar la columna de aire, y
estas formas definen las subcategorías de los instrumentos de viento de madera.
Un jugador puede volar a través de un agujero en la boca, como en una flauta;
en una boquilla con una sola lengüeta, como en un clarinete o saxofón moderno;
o una caña doble, como en un oboe o fagot. Los tres de estos métodos de
producción de tono se pueden encontrar en instrumentos renacentistas.
Shawm:
Un shawm oriental típico [aclaración necesaria] no tiene llave y mide
aproximadamente un pie de largo con siete orificios para los dedos y un
orificio para el pulgar. Las tuberías también eran de madera y muchas de ellas
tenían grabados y decoraciones. Fue el instrumento de doble lengüeta más
popular del Renacimiento; se usaba comúnmente en las calles con tambores y
trompetas debido a su sonido brillante, penetrante ya menudo ensordecedor. Para
jugar al shawm, una persona se pone la caña entera en la boca, se envasa las
mejillas y sopla en la pipa mientras respira por la nariz.
Tubería
de caña: hecha de una sola longitud cortada de caña con una boquilla, cuatro o
cinco agujeros para los dedos, y una caña hecha de ella. La lengüeta se hace
cortando una pequeña lengua, pero dejando la base unida. Es el predecesor del
saxofón y el clarinete.
Hornpipe: Igual que la pipa de caña, pero con una campana al final. Panpipe:
utiliza varios pisos de madera con un tapón en un extremo y abierto en el otro.
Cada tubo tiene un tamaño diferente, lo que le da un rango de una octava y
media. El jugador puede colocar sus labios contra el tubo deseado y soplar a
través de él.
Gaita / Bladderpipe: Los fieles creen que los fieles fueron inventados por
pastores que pensaron que usarían una bolsa hecha de piel de oveja o de cabra,
que proporcionarían una presión de aire para cuando el jugador tome aliento, el
jugador solo tenga que apretar la bolsa metida debajo. de su brazo para
continuar el tono. El tubo de boca tiene una simple pieza redonda de cuero con
bisagras en el extremo de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de
retención. La lengüeta se encuentra dentro de la boquilla larga, que se había
conocido como vocal, si había sido de metal y había tenido la lengüeta en el
exterior en el lugar del interior.
Flauta
transversal: La flauta transversal es similar a la flauta moderna con un
orificio bucal cerca del extremo tapado y orificios para los dedos a lo largo
del cuerpo. El jugador sopla por el orificio de la boca y sostiene la flauta en
el lado derecho o izquierdo.
Grabadora: la grabadora fue un instrumento común durante el período del
Renacimiento. En lugar de una caña, utilice una boquilla de silbido como su
principal fuente de producción de sonido. Por lo general, está hecho con siete
orificios para los dedos y un orificio para el pulgar.
https://www.hisour.com/es/renaissance-music-33297/
El Renacimiento es
la transformación que, con respecto a la Edad Media, experimenta la
cultura europea durante los siglos XV y XVI.
El nombre
de Renacimiento alude a la nueva vida que cobra por esa época
la cultura grecolatina.
A este
renacer se unen la aparición de la imprenta (que facilita la difusión de los
libros), los descubrimientos geográficos (que amplían el mundo conocido y abren
nuevas rutas al comercio), el desarrollo económico y el crecimiento de las
ciudades.
Con todo
ello comienza el mundo moderno.
Los
antecedentes de esta nueva época fueron la depresión económica, los disturbios
sociales y el malestar en la religión.
Durante el
siglo XV, tuvo lugar un renacimiento de la estabilidad política y social.
Las
monarquías de Inglaterra y España comenzaron nuevamente el proceso de
centralización de sus reinos.
En cambio,
el término Renacimiento no es aplicable a la música como a
otras artes, ya que la música de los siglos XV y XVI ni supuso
una ruptura con la tradición musical anterior, ni significó un intento de hacer
renacer formas procedentes de la antigüedad clásica.
En ese
tiempo se produjeron novedades importantes, descubrimientos en todos los
ordenes y el espíritu culto e interesado por las artes del Humanismo fomentó el
desarrollo de la música, pero no puede hablarse de un Renacimiento musical
propiamente dicho.
En términos
generales puede decirse que los siglos XV y XVI supusieron el triunfo definitivo
de la polifonía frente a la música monódica de la época medieval.
En esta
época desaparecieron algunos de los instrumentos del periodo gótico y
pervivieron, sobre todo, aquellos que mejor se adaptaban a la polifonía.
Predominaron
los instrumentos de teclado y de cuerda, como el órgano, el clavecín, el laúd y
la vihuela (de origen español) lo que facilito la consagración de la música
como acompañamiento de sus composiciones (los trovadores se acompañaban de
instrumentos de cuerda).
Durante
estos dos siglos, el auge alcanzado por la música profana fue otra de las
innovaciones de la época.
La música
paso a ser un arte no solo cultivado por clérigos, como en la Edad Media, y las
canciones de corte popular y sobre todo el madrigal (poema cantado de tema
lírico-galante) fueron piezas por las que se sintieron atraídos casi todos los
compositores.
Durante el siglo XV se impuso la polifonía a la flamenca, que logro una perfecta adecuación entre texto y música.
Los
maestros flamencos viajaron por toda Europa, llegando a imponerse en la propia
Italia, a pesar de su fuerte tradición musical.
En esta época
las formas musicales más difundidas fueron el motete, la misa, la canción
polifónica y el villancico (como aportación española).
Entre los
compositores, la figura más destacada fue Josquín des Pres (1440-1521),
que cultivo tanto la música religiosa como la profana.
En el siglo
XVI Italia recupero la primacía musical, imponiendo composiciones como el
madrigal de corte italiano y, sobre todo, gracias a un buen número de músicos
de gran talla.
No
obstante, la división religiosa que el cisma protestante había marcado, dejo
también su huella en la música.
Entre los
reformadores alemanes y centroeuropeos se entendió que la música tenia una gran
importancia para los actos religiosos de la nueva Iglesia; así y con la
intención de crear un sentimiento comunitario entre los fieles, los
protestantes tendieron hacia una música coral, no polifónica y de texto en
lengua vulgar que podía ser cantada por el pueblo.
Tendieron
hacia formas dominadas por la sencillez, en las que lo importante es el texto y
la falta de dificultades para que pueda ser asequible a las masas.
La
respuesta católica a estos planteamientos musicales, se dio en el Concilio
de Trento, que pretendió regular la música religiosa de los católicos con
formas en las que predominaban la austeridad y la gravedad, renunciando, al
menos en principio, a la polifonía.
La música
polifónica no pudo ser finalmente rechazada y las decisiones trentinas no
fueron seguidas al pie de la letra.
No
obstante, algunas de las recomendaciones de los obispos católicos si dejaron su
huella en la música religiosa como, por ejemplo, las que insistían en la
necesidad de que los textos cantados debían resultar reconocibles para los
fieles.
El siglo
XVI fue, por otro lado, el momento en el que la música instrumental despertó un
verdadero interés entre los compositores.
La música
de instrumentos sin acompañamiento de voz se empleo, de manera especial, para
el baile y su aparición estuvo muy unida al interés por la música de las
refinadas y cultas minorías de las cortes y de las familias más ricas de
Europa.
La escuela
franco-flamenca y la escuela veneciana concentraron los compositores más
relevantes de la época como por ejemplo: Guillaume Dufay, Johannes
Ockeghem, Palestrina, Orlando di Lasso, Janequin, entre otros.
En resumen,
el Renacimiento abarca los siglos XV y XVI y dentro de este periodo podemos
distinguir tres etapas:
– Primer Renacimiento: comprende la
primera mitad del siglo XV.
Conocido
también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña (que
poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y
Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se
convertirán en los más importantes de esta época.
Entre los
compositores más destacados de esta etapa podemos nombrar a Dufay,
Ockeghem y Desprès.
La mayor
parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes).
Durante
este Primer Renacimiento será muy frecuente la técnica compositiva denominada
contrapunto imitativo, que se basa en proyectar un tema ó motivo repetidamente
entre las distintas voces.
– Alto Renacimiento: comprende la
segunda mitad del siglo XV y primera del XVI.
Los músicos
franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades
musicales y las adapta a su estilo compositivo.
Se crean,
por lo tanto, los denominados estilos nacionales.
En Italia
el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se desarrollará el
lied (canción) y en Francia destaca la chanson.
– Bajo Renacimiento: se desarrolla
durante la segunda mitad del siglo XVI.
Italia se
convierte en el país más importante musicalmente hablando, las innovaciones más
interesantes vendrán dentro de la música profana; sin embargo, las dos figuras
más destacadas en este periodo se dedicarán a la música religiosa, y son
Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria.
Los géneros
más importantes siguen siendo el motete y la misa.
En esta
época también tenemos que destacar al italiano Claudio Monteverdi,
maestro indiscutible del madrigal (del cual escribió ocho tratados) y figura
decisiva en el nacimiento de la ópera, con su Orfeo de 1607.
Formas de la música durante el Renacimiento
Es avanzado
el Renacimiento cuando aparece una separación clara entre lo que es la música
vocal y la instrumental.
Ello es un
síntoma de evolución importantísimo que va a repercutir en el futuro musical,
separándose de una manera definitiva ambas formas.
La música instrumental
El factor
principal que facilita la aparición de la música instrumental es, sin duda
alguna, el resurgimiento de la danza que para su desarrollo necesita de piezas
instrumentales.
El
beneficiado de este proceso es el instrumento musical; especialmente adquieren
un alto grado de evolución los instrumentos de cuerda y el órgano, que aunque
en el futuro adquiere una función básicamente religiosa, en este momento sirve
también para interpretar música profana.
La música vocal
Durante el
Renacimiento se desarrollan dos modalidades básicas:
Religiosa: Dentro de la
modalidad religiosa cabe destacarse varias formas fundamentales:
– La Misa: Esta forma
musical toma el nombre del acto litúrgico durante el cual se interpreta.
Durante la
Edad Media constaba de tres partes: Kirie, Sanctus y Agnus Dei.
Más tarde
se le añaden nuevos pasajes como: Gloria, Credo y Benedictus.
Pero en
cualquier caso, a la misa es susceptible de añadírsele nuevas partes en función
del objetivo de la ceremonia: Requiem, etc.
Otra
característica de la misa es que puede contener partes exentas de texto y, por
tanto, pueden ser exclusivamente interpretadas instrumentalmente.
– El Motete: Se trata de una
pieza musical cantada que se fundamenta en citas bíblicas, tales como los
salmos, evangelios y epístolas.
Se trata de
una forma muy arcaica de lo que nos da muestra el hecho de que la parte
instrumental se acomode al texto, como sucede con el canto gregoriano.
Es de
proporciones muy reducidas, y mientras las partes de la misa son siempre
iguales, en el motete éstas varían en función del momento en que se interprete:
Navidad o Semana Santa.
El motete
adquiere su verdadero desarrollo en el mundo religioso luterano, siendo menos
usado en el ámbito católico.
Profana: Al igual que la
música religiosa, la profana tiene dos qrandes tipos:
– El Canon: Tiene su origen
en la Inglatera del siglo XIII y consiste en una pieza musical para varias
voces que se persiguen circularmente en su entrada.
En su
origen se le denomina rota o rondellus, lo que significa rueda. Consta de una
sola melodía que se repite constantemente siguiendo esa rueda a que se hacía
alusión, y a lo sumo con pequeñas variaciones.
– El Madrigal: Es la forma más
importante de la música del Renacimiento en su vertiente profana.
Está ligada
al gran movimiento literario del momento y más concretamente a su aspecto más
lírico.
No se puede
entender dicha forma profana sin tener en cuenta la corriente poética de
Petrarca y las novelas pastoriles que, en principio en Italia y posteriormente
en otros lugares, producen un gran número de obras.
Ya se ha
señalado que el hombre es, durante el Renacimiento, el centro del universo.
El madrigal es la forma
óptima para contarlo, al igual que en literatura lo harán el soneto o la
novela.
En este
sentido, la novela pastoril, junto con la poesía de Petrarca, serán el lazo de
unión con la filosofía que quiere transmitir el madrigal.
Además esta
expresión musical, como todas las del Renacimiento, emplea las lenguas
vulgares.
El madrigal
conecta plenamente con el Barroco, movimiento que sigue al Renacimiento, tanto
en su filosofía como formalmente, hasta el punto de que Monterverdi, autor
italiano, realiza ocho libros sobre madrigales, considerándose los tres últimos
como barrocos.
No hay comentarios:
Publicar un comentario