domingo, 4 de octubre de 2020

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía está considerado una prolongación del Museo Nacional del Prado, pues su colección abarca desde finales del siglo XIX (donde termina la del Prado) a la actualidad. La principal colección del Museo Reina Sofía es la pintura española, estando muy bien representados maestros como Miró, Dalí o Picasso, y siendo la obra maestra de este último, el Guernica, el principal reclamo de este museo.

Sin embargo, la colección también incluye otras obras de importantes artistas españoles, como Juan Gris, José Gutiérrez Solana, Antonio López, Eduardo Chillida, Jorge de Oteiza o Antoni Tàpies.

La pintura extranjera contemporánea está en menor medida en este museo, aunque está bien representada por obras de Francis Bacon, Max Ernst, Yves Klein, Georges Braque,Robert Capa, Lucio Fontana, Richard Serra,…

Entrada al museo Reina Sofía

Alguna de las obras maestras que se exhiben en el Museo Reina Sofía son las siguientes:

El Guernica y sus bocetos preparatorios, de Pablo Picasso.

http://artevalladolid.blogspot.com/2017/07/exposicion-guernica-de-picasso-los.html

Mujer en azul, de Pablo Picasso.

Llevamos unos meses durante los cuales, los amantes del arte, gozamos viendo como algunas de las silenciosas mujeres que colgaban de las paredes de nuestros mejores museos nacionales salen del ostracismo y la mirada indiferente para convertirse en admiradas y casi deseadas "superwomans" después de las operaciones de cirugía estética a las que han sido sometidas.

Hace solo unas semanas relatábamos aquí como nuestra "Gioconda del Prado" mostraba orgullosa el juvenil tono de su piel, fruto del "lifting" restaurador, poco antes de marchar a París donde seguramente provocará la envidia de su ictérica hermana y también, estos últimos días, nos congratulamos con las noticias provenientes del Museo Reina Sofía que nos cuenta que la "Mujer en azul", tan verde ella, ha recobrado sus azules perdidos y luce esplendorosa, desafiante y sexual después del largo tratamiento realizado para devolverla al museo como lo que era, una mujer en azul.

La historia de este último cuadro "Mujer en azul" es un poco extraña, con su lado oscuro y desconocido pero, algo sabemos de él.

Picasso lo pintó en los primeros meses de 1901, cuando apenas contaba 20 años. Había llegado a Madrid en enero de ese mismo año después de haber pasado una temporada en París y en Barcelona con su íntimo amigo y compañero de correrías, el poeta y pintor catalán, Carlos Casagemas, el cual, una vez pasadas las Navidades juntos en Málaga en la casa del pintor malagueño, se había vuelto a París.

Picasso montaría en la calle Zurbano, en un antiguo y gigantesco almacén o granero, su estudio madrileño en el que comenzaría a pintar cuadros muy coloristas como lo son su "Mujer en azul" o su "Mujer con sombrero de plumas" y en los que se aprecian las influencias de los postimpresionistas que había conocido en París, principalmente de Toulouse Lautrec así como del nabi, Pierre Bonnard y también del catalán, Isidre Nonell, con quien había compartido estudio en París unos años antes en 1897. Muchos de estos cuadros los pintará sin modelos conocidas según relata Pío Baroja en sus memorias: "Pablo Picasso, cuando estuvo en Madrid, había tomado un estudio en la calle de Zurbano, y se dedicaba a pintar de memoria figuras de mujeres de aire parisiense, con la boca redonda y roja como una oblea". Con Pío Baroja, así como con Miguel de Unamuno y otros intelectuales del Madrid de principios de siglo, entablará una relación fluída a través de la revista "Arte Joven" una revista que Picasso funda a instancias de su amigo Francisco de Asís Soler, el cual le ha hecho venir a Madrid con el fin de intentar implantar en la capital esa tendencia artística denominada modernismo y que avanzaba desafiante en Barcelona frente al clasicismo imperante en Madrid.

No aguantará mucho tiempo Picasso en Madrid. Hacia finales de febrero recibe la noticia de que su amigo Casagemas se ha suicidado el día 17 pegándose un tiro en el café "La Rotonde" de París al no poder soportar la depresión que sufría tras el abandono de una tal Germaine, una bailarina del Moulin Rouge y de la que estaba profundamente enamorado. Esta noticia produce una gran conmoción a Picasso que afectará de manera significativa a su obra posterior. Por otra parte, su trabajo en la revista "Arte Joven" no logra tampoco saciar su mundo interior a pesar de sus colaboraciones como pintor y dibujante en los tres primeros números de la misma. Todo esto, unido al gélido invierno madrileño que hace imposible calentar el destartalado estudio de Zurbano, hacen que Picasso marche de Madrid a principios de mayo con destino a París para no regresar ya nunca más a la capital de la que nunca guardará buen recuerdo. Antes de marchar a París presentará en abril su "Mujer en azul" en la Exposición Nacional de Bellas Artes en la que no obtiene gran éxito aunque, recibe una mención honorífica por dicha obra, mención que Picasso no acudirá a recoger dejando también abandonado en la sala de la Exposición este cuadro, un cuadro considerado el preludio de su llamada "época azul".

Olvidado por su autor, "Mujer en azul" es enviado a algún almacén dependiente de Bellas Artes y allí dormirá durante más de cincuenta años hasta que en 1954 es descubierto en los fondos del entonces Museo Nacional de Arte del Siglo XX por el recién nombrado director del mismo, Enrique Lafuente Ferrari, un eminente profesor de Bellas Artes y un estudioso de la obra de Goya y Picasso y que quedará sorprendido al encontrase con un cuadro en el que descubre la firma de un tal "P. Ruiz Picasso", tal y como firmaba el malagueño antes de realizar esta obra a partir de la cual firmaría únicamente como "Picasso". Incorporado al museo pasará posteriormente, en 1974, a la colección del Museo Español de Arte Contemporáneo y en 1988 a la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid donde se puede contemplar en la actualidad.

De "Mujer en azul" no se conoce la identidad de la modelo. Pudo haber sido pintado de memoria, como decía Baroja, o pudo haber posado para él una cortesana o prostituta elegantemente vestida a la usanza de la sociedad aristocrática del Madrid de principios de siglo, con su amplia y adornada falda velazqueña sobre la que cae la faja verde anudada a su cintura y con un enorme lazo azulado en forma de mariposa, que enmarca un rostro apenas detallado y en el que destacan esos labios rojos que nos recuerdan a los de las prostitutas que pintaba Lautrec deambulando por el Moulin Rouge.

Cortesana o no, a sus casi 112 años luce, como decíamos al principio, magnífica después de que los trabajos de restauración hayan eliminado esos barnices amarillentos que mezclados con los azules verdeaban su imagen. Si pudiera hablar, a pesar de los más de cincuenta años pasados en la oscuridad, esos labios tan llamativamente coloreados nos contarían historias que nos encandilarían y asombrarían pero.....esas pertenecen a su secreto mundo del que solo podemos imaginarnos algo desde este lado del cuadro.

http://desdeelotroladodelcuadro.blogspot.com/2012/03/mujer-en-azul-pablo-picasso.html

Muchacha en la ventana o el gran masturbador, de Salvador Dalí.

FICHA TÉCNICA

· Obra: El gran masturbador

· Autor: Salvador Dalí

· Cronología: 1929

· Estilo: Surrealista

· Técnica: óleo sobre lienzo

· Dimensiones: 110x150 cm

· Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)

ANÁLISIS FORMAL

La creación de esta obra tuvo lugar en un momento clave dentro de la vida de Salvador Dalí, es el período en que Gala finalmente decide compartir su vida con él, dejando a su marido, el poeta Paul Éluard. Fue después de los primeros días de estar a solas ambos, ya como pareja oficial, cuando elaboró este lienzo.

A su vez, esta obra pone de manifiesto la fobia y las manías que tenía Dalí respecto a las experiencias sexuales en pareja. Parece ser que, su padre, le mostró unas fotografías de enfermedades venéreas para alejar al joven catalán de los prostíbulos y de las malas prácticas, lo que acabo originándole un trauma para toda la vida. Así, esta pieza resulta ser una representación de uno de sus mayores miedos, dando forma y vida a su fobia.

· La composición se divide en dos mitades claramente separadas por el horizonte, diferenciadas por el austero paisaje y el cielo azul despejado, y en clara desigualdad dado que el cielo ocupa la mayor parte de la composición. Cuánto a la luz, cuenta con un foco de luz muy fuerte proveniente del lado derecho, lo cual podemos comprobar en las sombras de las figuras en el plano inferior y de la propia nariz del gran protagonista central.

Destaca el cromatismo de toda la pieza con colores planos y muy llamativos que dotan de gran vivacidad a la composición. Igualmente es especial el trazo, predominando el dibujo, con los límites de las figuras bien delimitados y diferenciados, como si estas se insertaran físicamente en el espacio.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Vemos una imagen compuesta por diversas escenas en si misma que dan vida a la historia y experiencias que estaba viviendo el pintor en ese tiempo. La figura gigante del centro, que ocupa mayor espacio en la obra, es una cabeza humana, un rostro, que resulta ser una autorepresentación del mismo Salvador Dalí. A la vez esta gran forma está inspirada en una de las rocas que se avistan desde el Cap de Creus (Cataluña), santuario de inspiración del artista. También comento como se inspiró en la cera para el color amarillento. Situada horizontalmente sobre el plano compositivo, descansa sobre la puntiaguda nariz.

El saltamontes situado justo sobre su rostro, en la parte frontal de este e inferior de la composición, resulta ser la figuración de otro de sus miedos des de la infancia. Este ocupa el lugar donde debiera estar la boca, pero en su lugar está el vientre del gran saltamontes del cual brotan una multitud de hormigas, las cuales pronto se convertirán en un elemento recurrente en sus obras, como símbolo de la putrefacción, del paso de la vida y la muerte.

Siguiendo con la gran figura central, en lo que sería el cuello y parte posterior de Dalí, vemos el busto de una mujer y sobre su pecho un lirio, símbolo de femineidad y sensualidad. Esta, con los ojos cerrados y una postura muy suave y delicada se acerca hacia unos genitales masculinos, situados a la derecha del cuadro, representando simbólicamente sus miedos y peculiaridades respecto a las prácticas sexuales.

En la parte inferior central, sobre el árido paisaje, vemos dos figuras abrazadas. Parecen una escultura de piedra, estos representan a sus padres por lo que se podría interpretar también como su imagen congelada en el tiempo. Siguiendo la narración, vemos la figura situada al pie izquierdo del cuadro, que simbolizaría al padre alejándose mostrando así su relación distante. Todos estos personajes proyectan una gran sombra, lo cual les dota de vida y refleja el paso del tiempo.

Salvador Dalí presentó esta obra —titulada para la muestra Visage du grand masturbateur— en su primera exposición individual como artista, en la Galería Goemans (París, Francia) el año 1929, consagrándose como artista moderno y como surrealista.

BIBLIOGRAFIA

Ades, D. (1975) El dada y el surrealismo. Barcelona; Editorial Labor.

Anguera, O. (1948) El arte y los artistas españoles desde 1800. Mentira y verdad de Salvador Dalí. Barcelona: Ediciones Cobalto

Visage du Grand Masturbateur (Rostro del Gran Masturbador). Museo Nacional. Centro de Arte. Reina Sofía. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/visage-du-grand-masturbateur-rostro-gran-masturbador

https://www.lacamaradelarte.com/2020/01/el-gran-masturbador.html

La tertulia del Café Pombo, de José Gutiérrez Solana.

El "Café de Pombo" fue un modesto y sombrío Café situado en el número 4 de la calle Carretas, a escasos metros de la Puerta del Sol en Madrid.

En este Café montó su tertulia literaria en 1912 el escritor y periodista Ramón Gómez de la Serna, el inventor de las famosas "greguerías", un juego literario consistente en la construcción de una frase corta e ingeniosa para definir algo. A esta tertulia que se celebraba todos los sábados por la noche y que duraba hasta bien entrada la madrugada acudían un grupo de intelectuales amigos del escritor que se convirtieron en asiduos de lo que se denominó “La Sagrada cripta del Pombo” ya que, esta tertulia se celebraba en un pequeño reservado ubicado dentro del Café y a nivel inferior del mismo lo que le daba un auténtico carácter de cripta.

Al pintor Gutiérrez Solana, amigo de Gómez de la Serna, le encargó este en 1920 que hiciera un retrato dentro del local en el que apareciesen los asiduos a dichas veladas y así nació este cuadro en el que si no están todos los que eran, si aparecen muchos de los que se reunían allí todos los sábados. En él están retratados de izquierda a derecha y rodeando a Gómez de la Serna que es el que se encuentra de pie, el escritor, periodista y crítico teatral, Tomás Borrás; el también escritor y periodista además de crítico literario y de arte, Manuel Abril; el ensayista, poeta y dramaturgo representante de la Generación del 27 y hombre de fuertes convicciones republicanas que le valdrían el exilio después de la guerra civil, José Bergamín; el pintor santanderino discípulo de Puvis de Chavannes y gran amigo y protector de Solana y al que este pintaría en otro de sus lienzos, José Cabrero Mons; el poeta, ensayista y catedrático de filosofía, Mauricio Bacarisse; el propio Solana; el escritor y diplomático venezolano, Pedro Emilio Coll y el escritor y dibujante creador del semanario infantil Pinocho y gran amigo de Manuel Abril, Salvador Bartolozzi.

Todos los personajes aquí retratados muestran una expresión hierática y ausente adoptando una postura rígida y forzada y hasta la naturaleza muerta formada por los objetos esparcidos sobre la mesa parece tener más vida que los propios personajes. El predominio del color negro crea la atmosfera clásica de la obra pictórica de Solana, su inconfundible aspecto que él recrea en su serie de "La España Negra".

Este lienzo, una de las obras más emblemáticas del pintor y escritor José Gutiérrez Solana, ha sido noticia hace unos días al informar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, museo en el que se conserva este cuadro, de la aparición de una pintura de motivo religioso existente bajo la ya conocida y consistente en el interior de una iglesia con un altar barroco y una figura arrodillada delante de él. Dicho descubrimiento fue realizado durante los trabajos de restauración de dicho cuadro al apreciarse la aparición de grietas y craquelados y ser sometido a unas pruebas radiográficas y ultravioletas previas.

Este cuadro estuvo colgado en el "Cafe de Pombo" hasta la desaparición de la tertulia debido al comienzo de la Guerra Civil Española pasando el cuadro a manos de Ramón Gómez de la Serna.

Seguramente, durante todo el tiempo que el cuadro estuvo presidiendo aquella tertulia, solamente el pintor sabía que debajo de aquellos personajes existía otro motivo pictórico, motivo que la técnica acabaría descubriendo casi cien años después de pintado.

http://desdeelotroladodelcuadro.blogspot.com/2011/03/la-tertulia-del-cafe-de-pombo-jose.html

VIOLÍN Y GUITARRA (1913)
Óleo sobre lienzo. (81 x 60 cm)

En 1913 después de varios años en París, Juan Gris ha experimentado una evolución en su pintura. Ya se dedica en exclusiva a ella y su actividad como ilustrador prácticamente ha desaparecido. En este bodegón observamos el tratamiento de los planos con tramas de líneas entrecruzadas, no sólo con color, que los asocian con los elementos representados, mantel, pared... El tratamiento cubista de la guitarra y el violín los hace partícipes de una unidad independiente ajustada perfectamente en el resto de la obra.

RETRATO DE JOSETTE (1916)
Óleo sobre tabla. (116 x 73 cm.)

Excelente retrato de Josette, y su mujer. Es un cuadro cubista, como la mayoría de las obras de Juan Gris, con su peculiar forma de adaptar un clasicismo - componente figurativo - a este estilo. Aporta en este cuadro todas las experiencias y conocimientos adquiridos en los años precedentes como si fuera un resumen de su actividad artística.

Violín y guitarra, retrato de Josette, guitarra ante el mar o naturaleza muerta delante del armario, de Juan Gris

https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiJrLIHprEDTZQTAanGVL-huqWgTsh55cq8z4EOjzps6gbmu4C-EcVA6VOP02RA-PUhGXM7RaZWsgJov6adfQsCG51I15VcrJVM5XXLCEIpJ2kiolWr_6fBo8Cx4FdWDwk-2hwToLkN10o/s1600-h/2.jpg

http://pintegrado2.blogspot.com/2010/02/juan-gris.html

Hombre con pipa o femme et oiseau dans la nuit, de Joan Miró

https://www.wikiart.org/es/joan-miro/dona-i-ocell-en-la-nit-1945

Pintura (Hombre con pipa) (Painting [Man with a Pipe]), 1925

Oil on canvas

57 1/2 × 44 9/10 in

146 × 114 cm

https://www.artsy.net/artwork/joan-miro-pintura-hombre-con-pipa-painting-man-with-a-pipe

Ampliación del Museo Reina Sofía

Horario

De lunes a sábado: De 10:00 h. a 21:00 h.

Domingos: De 10:00 h. a 19 h.

24 de diciembre, 31 de diciembre y 6 de enero de 9:00h a 14:00h.

Cerrado: Todos los martes del año, 24, 25 y 31 de Diciembre, 1 y 6 de Enero,1 y 15 de Mayo y 9 de Noviembre.

Tarifas (año 2019)

General: 8 €.

Reducida (voluntarios culturales, familias numerosas): 4 €.

Entrada gratuita para menores de 18 años, mayores de 65 años, parados con acreditación.

Grupos, ponerse en contacto con el Centro de Atención al Visitante: (+34) 917 911 330.

Días de acceso gratuito: Lunes a viernes, de 19 a 21 horas, sábado desde las 14:30h. hasta las 21 horas, y domingo de 13:30 a las 19 horas, 18 de Abril (día del Patrimonio Mundial), 29 de Abril, 18 de mayo (Día Internacional de los Museos), 12 de octubre y 6 de diciembre

No está permitida la toma de imágenes en el interior del Museo.

¿Cómo llegar al museo?

Tren: Estación de Atocha.

Metro: Estación del Arte, línea 1 de metro

Autobús: 6, 8, 10, 14, 19, 24, 26, 27, 32, 34, 36, 37, 41 45, 47, 54, 55, 57, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 116, 118, 119, 141, 148, 247, E3, Circular C1 – C2.

Más información del Museo Reina Sofía

Toda la información ha sido obtenida de la web oficial del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que os recomendamos visitar para conocer las exposiciones temporales que se están produciendo en estos momentos y otros detalles de la colección.

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